Medieval Classical Music (500 CE – 1400 CE)

Medieval music is Western music, including liturgical music (for the church) and secular music (non-religious music). Mittelalterliche Musik beinhaltet ausschließlich Vokalmusik, wie der gregorianische Gesänge von Mönchen und Chormusik gemacht, ausschließlich Instrumentalmusik und Musik, die beide Stimmen und Instrumente verwendet. Diese Ära beginnt mit dem Fall des Weströmischen Reiches im fünften Jahrhundert und endet irgendwann in den frühen fünfzehnten Jahrhundert. Festlegung des Endes des Mittelalters und dem Beginn der Renaissance-Musik-Ära ist schwierig; die Verwendung in diesem Artikel ist das man in der Regel von Musikologen angenommen.

Im Mittelalter wurde die Grundlage für die Notations und theoretischen Methoden gelegt, die westliche Musik in die Normen prägen würde, die während der Common-Praxis-Ära entwickelt. Der offensichtlichste davon ist die Entwicklung einer umfassenden Musiknotationssystems; aber die theoretischen Fortschritte, vor allem im Hinblick auf die Rhythmus-das Timing der Noten-und Polyphonie-Verwendung mehrerer, verweben Melodien zur gleichen Zeit sind gleichermaßen wichtig für die Entwicklung der westlichen Musik.

Überblick

Instrumente

Viele Instrumente verwendet mittelalterliche Musik zu spielen gibt es noch in den 2010er Jahren, aber in unterschiedlichen und in der Regel mehr technologisch Formen entwickelt. Die Flöte wurde einmal aus Holz anstatt Silber oder einem anderen Metall, und könnte als Seitengeblasenen oder Ende geblasenen Instrument gemacht werden. Moderne Orchester Flöten sind in der Regel aus Metall und haben komplexe Schlüsselmechanismen gemacht. Der Recorder wurde während des Mittelalters aus Holz, und trotz der Tatsache, dass in den 2000er Jahren, kann es aus synthetischen Materialien hergestellt werden, es hat sich mehr oder weniger behielt seine Vergangenheit Form. Die Gemshorn ist ähnlich dem Recorder in mit Fingerlöchern an seiner Vorderseite, obwohl es tatsächlich ein Mitglied der Familie ist ocarina. Einer der Vorgänger Flöte, Panflöte, war im Mittelalter sehr beliebt, und ist möglicherweise hellenischer Herkunft. Dieses Pfeifen des Instruments waren aus Holz und wurden in der Länge zu produzieren verschiedene Tonhöhen graduierte.

Mittelalterliche Musik verwendet, um viele gezupften Saiteninstrumente wie die Laute, mandore, gittern und Psalter. Die Hackbretter, in der Struktur ähnlich dem Psalter und Zither, wurden ursprünglich gezupft, sondern wurde mit Hämmern im 14. Jahrhundert nach der Ankunft der neuen Metall-Technologie getroffen, die Metallsaiten möglich gemacht.

Die gewölbte Lyra des Byzantinischen Reiches war somit die erste europäische Saiteninstrument verbeugte. The Persian geographer Ibn Khurradadhbih of the 9th century (d. 911) cited the Byzantine lyra, in his lexicographical discussion of instruments as a bowed instrument equivalent to the Arab rabāb and typical instrument of the Byzantines along with the urghun (organ), shilyani (probably a type of harp or lyre) and the salandj (pr. Der Leierkasten war (und ist) eine mechanische Geige ein rosined Holzrad mit einer Kurbel befestigt mit seinen Saiten zu "bow". Instrumente ohne Sound-Boxen wie die Maultrommel waren in der Zeit auch sehr beliebt. Frühe Versionen von der Orgel, Geige (oder vielle) und Posaune (die so genannte sackbut) existierte.

Genres

Mittelalterliche Musik war sowohl geistliche und weltliche. Während der früheren mittelalterlichen Zeit, die liturgische Genre, überwiegend gregorianischen Gesang, war monophon. Polyphone Genres begann während des Hochmittelalter zu entwickeln, durch die spätere 13. und Anfang des 14. Jahrhunderts weit verbreitet zu werden. Die Entwicklung solcher Formen wird oft mit der Ars nova assoziiert.

Die frühesten Neuerungen auf monophon plainchant waren heterophon. Die Organum, beispielsweise beim gregorianischen Melodie erweitert eine begleitende Zeile, in einem festen Intervall gesungen, mit einer daraus resultierenden Wechsel zwischen Polyphonie und monophony. Die Prinzipien der organum stammen aus einem anonymen 9. Jahrhundert-Darm-Trakt, die Musica enchiriadis, die gegründet, um die Tradition einer bereits existierenden plainchant in Parallelbewegung im Abstand von einer Oktave zu duplizieren, ein Fünftel oder ein Viertel.

Von größerer Raffinesse war die Motette, die von der clausula Genre der mittelalterlichen Choral entwickelt und die populärste Form der mittelalterlichen Polyphonie werden würde. Während frühe Motetten bis zum Ende des dreizehnten Jahrhunderts liturgische oder heilig, waren hatte das Genre erweitert, um weltliche Themen wie Minne umfassen.

Während der Renaissance-Musik-Ära, wurde das italienische säkulare Genre des Madrigal auch sehr beliebt. Ähnlich wie bei der polyphonen Charakter der Motette, featured Madrigale größere Fluidität und Bewegung in der Hauptleitung. Das Madrigal Form gab auch Anlass zu Kanonen, vor allem in Italien, wo sie unter dem Titel komponiert wurden Caccia. Diese waren dreiteilige säkulare Stücke, die die beiden höheren Stimmen im Kanon vorgestellten, mit einem zugrunde liegenden instrumental Lang Note Begleitung.

Schließlich rein Instrumentalmusik auch während dieser Zeit, sowohl im Rahmen einer wachsenden Theatertradition und für Gerichtsverbrauch entwickelt. Tanzmusik, oft improvisierten um vertraute tropes, war die größte rein instrumentalen Genre. Die säkulare Ballata, die in Trecento Italien sehr populär wurde, hatte seinen Ursprung, zum Beispiel, in der mittelalterlichen Instrumentaltanzmusik.

Theorie und Notation

Im Mittelalter wurde die Grundlage für die Notations und theoretischen Methoden gelegt, die westliche Musik in die Normen prägen sollte, die während der üblichen Praxis Ära entwickelt. Der offensichtlichste davon ist die Entwicklung einer umfassenden Musiknotationssystems; jedoch sind die Fortschritte in der Theorie, vor allem in Bezug auf Rhythmus und Polyphonie, sind gleichermaßen wichtig für die Entwicklung der westlichen Musik.

Notation

Die früheste Mittelalter-Musik hatte keine Art von Notationssystem. Die Melodien waren in erster Linie monophon (eine einzelne Melodie ohne Begleitung) und durch mündliche Tradition. Als Rom versucht, die verschiedenen Liturgien zu zentralisieren und den römischen Ritus als primäre Kirchentradition die Notwendigkeit etablieren diese chant Melodien über weite Entfernungen zu übertragen war effektiv ebenso grell. Der erste Schritt, um dieses Problem kam mit der Einführung von verschiedenen Zeichen über den Choral Texte geschrieben zu beheben Richtung Nickbewegung, um anzuzeigen, die so genannte Neumen. Der Ursprung der Neumen ist unklar, und vorbehaltlich einer Debatte; Allerdings sind die meisten Wissenschaftler sind sich einig, dass ihre engsten Vorfahren die klassischen griechischen und römischen grammatische Zeichen sind, die wichtige Punkte der Deklamation, die durch den Aufstieg und Fall der Sprachaufzeichnung. Die beiden grundlegenden Zeichen der klassischen Grammatiker waren die acutus, /, eine Anhebung der Stimme angibt, und die gravis, \, was auf eine Senkung. Ein Sänger einen Gesang Text mit neume Markierungen zu lesen wäre in der Lage ein allgemeines Gefühl davon, ob die Melodielinie stieg in der Tonhöhe zu bekommen, gleich geblieben ist, oder ging in die Tonhöhe.

Diese schließlich entwickelte sich in den Grundsymbole für Neumenschrift, die Virga (oder "Stab"), die eine höhere Note zeigt an und sah immer noch wie die acutus, aus dem es kam; und das Punctum (oder "Punkt"), das anzeigt, eine niedrigere Note und, wie der Name schon vermuten lässt, reduziert sich der Gravis-Symbol zu einem Punkt. Dies sind die acutus und die Gravis könnte kombiniert werden, um grafische vocal Beugungen auf der Silbe repräsentieren Diese Art der Notation entwickelt zu haben scheint nicht vor dem achten Jahrhundert, aber durch die neunte war es fest als primäre Methode der Notenschrift etabliert. Die grundlegende Notation der Virga und punctum blieb die Symbole für einzelne Noten, aber auch andere Neumen bald entwickelt, trat mehrere Noten zeigte zusammen. Diese neuen neumes genannte Ligatur-Kombinationen sind im wesentlichen von den beiden ursprünglichen Zeichen.

Die erste Musik-Notation war die Verwendung von Punkten über den Text eines Chorals, mit einigen Punkten höher oder niedriger, wobei der Leser ein allgemeines Gefühl der Richtung der Melodie zu geben. diese Form der Notation diente jedoch nur als Gedächtnisstütze für einen Sänger, der bereits die Melodie kannten. Diese grundlegende Neumenschrift nur könnte die Anzahl der Noten angeben und ob sie nach oben oder unten. Es gab keine Möglichkeit, genaue Tonhöhe, um anzuzeigen, einen beliebigen Rhythmus oder sogar die Anfangsnote. Diese Einschränkungen sind weitere Anzeichen dafür, dass die Neumen entwickelt wurden als Werkzeuge, um die Praxis der mündlichen Überlieferung zu unterstützen, anstatt sie zu verdrängen. Jedoch, obwohl sie als eine bloße Gedächtnisstütze begonnen, die im Wert von bald spezifischere Notation mit zeigte sich,.

Die nächste Entwicklung in Notenschrift war "heighted Neumen", in der Neumen in unterschiedlichen Höhen in Bezug sorgfältig platziert wurden miteinander. Dies ermöglichte die neumes einen groben Hinweis auf die Größe eines bestimmten Intervall zu geben, als auch die Richtung,. Dies führte schnell zu einer oder zwei Linien, die jeweils eine bestimmte Note darstellt, mit all den neumes auf die Musik gelegt wird, um sie rückbezogenen. Anfangs hatte diese Zeilen keine besondere Bedeutung und hatte stattdessen einen Brief am Anfang platziert angibt, welche Note vertreten. die Linien, die Mitte C und das F jedoch ein Fünftel unter langsam wurde am häufigsten. Nachdem auf dem Pergament zunächst nur gekratzt, jetzt die Linien in zwei verschiedenen farbigen Tinten gezogen wurden: in der Regel rot für F und gelb oder grün für C. Dies war der Beginn des musikalischen Personal, wie wir sie heute kennen,. Die Fertigstellung der vier Online-Personal ist in der Regel zu Guido d 'Arezzo gutgeschrieben (c. 1000-1050), einer der wichtigsten musikalischen Theoretiker des Mittelalters. Während ältere Quellen, um die Entwicklung des Personals Guido zuschreiben, schlagen einige moderne Gelehrte, dass er mehr als codifier eines Systems gehandelt, die bereits entwickelt wurde. So oder so, diese neue Schreibweise erlaubt ein Sänger Stücke zu lernen, völlig unbekannt zu ihm in einer viel kürzeren Zeit. Doch obwohl Choralnotation in vielerlei Hinsicht weiter fortgeschritten war, ein grundsätzliches Problem blieb: Rhythmus. Das neumatischen Notationssystem, auch in seiner voll entwickelten Zustand, nicht definiert eindeutig jede Art von Rhythmus für das Singen von Noten.

Rhythmus

In Bezug auf Rhythmus, hatte diese Zeit einige dramatische Veränderungen sowohl in der Konzeption und Notation. Während des frühen Mittelalter gab es keine Methode Rhythmus zu notieren, und damit die rhythmische Praxis dieser frühen Musik unterliegt hitzige Debatte unter Gelehrten. Die erste Art der schriftlichen rhythmische System im Laufe des 13. Jahrhunderts entwickelt und wurde auf einer Reihe von Modi basierend. Diese rhythmische Plan wurde von der Musiktheoretiker Johannes de Garlandia, Autor des De Mensurabili Musica (um 1250), die Abhandlung zu kodifizieren, die definiert und die meisten erläutert vollständig diese Modalnotation. In seiner Abhandlung Johannes de Garlandia beschreibt sechs Arten von Modus oder sechs verschiedene Möglichkeiten, in denen sehnt und Breves kann arrangiert werden. Jeder Modus wird ein rhythmisches Muster in Schlägen (oder tempora) innerhalb einer gemeinsamen Einheit von drei tempora (a perfectio), die wieder wiederholt wird, und wieder. Des Weiteren wird Notation ohne Text auf Ketten von Ligatur basiert (die charakteristischen Bezeichnungen, mit denen Gruppen von Noten, die aneinander gebunden sind).

Die Modalnotation kann im allgemeinen durch die Muster der Ligaturen bestimmt werden verwendet,. Sobald eine rhythmische Modus war zu einer melodischen Linie zugewiesen wurde, war es in der Regel wenig Abweichung von diesem Modus, obwohl rhythmische Anpassungen durch Veränderungen der erwarteten Verlauf des Ligatur angegeben werden konnte, sogar in dem Maße zu einem anderen rhythmischen Modus ändern. Der nächste Schritt nach vorn Rhythmus betreffend kam aus dem deutschen Theoretiker Franco von Köln. In seiner Abhandlung Ars cantus mensurabilis ( "The Art of mensurable Music"), um 1280 geschrieben, beschreibt er ein Notationssystem, in dem unterschiedlich geformte Noten haben ganz unterschiedliche rhythmische Werte. Dies ist eine bemerkenswerte Veränderung zum früheren System von de Garlandia. Whereas before the length of the individual note could only be gathered from the mode itself, this new inverted relationship made the mode dependent upon—and determined by—the individual notes or figurae that have incontrovertible durational values, an innovation which had a massive impact on the subsequent history of Europe. Die meisten der überlebenden notierter Musik des 13. Jahrhunderts verwendet die rhythmischen Modi wie durch Garlandia definiert. Der Schritt in der Evolution des Rhythmus kam nach der Wende des 13. Jahrhunderts mit der Entwicklung des Ars Nova-Stil.

Der Theoretiker, der sich am besten in Bezug auf diese neue Art anerkannt ist Philippe de Vitry, berühmt für die Ars Nova Schreiben ( "Neue Kunst") Abhandlung um 1320. Diese Abhandlung über Musik gab seinen Namen dem Stil dieser ganzen Epoche. In gewisser Weise begann das moderne System der rhythmischen Notation mit Vitry, der völlig frei von der älteren Idee der rhythmischen Modi brach. Die Notations Vorgänger der modernen Zeit Meter stammen auch im Ars Nova. Dieser neue Stil wurde deutlich auf der Arbeit von Franco von Köln gebaut. In der Franco-System, ist die Beziehung zwischen einem breve und einer ganzen Noten (das heißt, die Hälfte breves) auf, die zwischen einem breve und einem langen äquivalent war: und, da für ihn modus immer perfekt war (zu dritt gruppiert), war die tempus oder Beat auch von Natur aus perfekt und deshalb enthielt drei Semibreven. Manchmal ist der Kontext des Modus würde eine Gruppe von nur zwei Semibreven jedoch diese beiden Semibreven würde immer ein normaler Länge sein und eine von doppelter Länge, um dadurch den gleichen Raum von Zeit zu nehmen und damit die perfekte Aufteilung des tempus Erhaltung. Diese ternären Division für alle Notenwerte gehalten. Im Gegensatz dazu führte die Ars Nova Zeitraum zwei wichtige Änderungen: die erste eine noch kleinere Unterteilung der Noten war (Semibreven, jetzt aufgeteilt in minim werden könnte), und die zweite war die Entwicklung von "mensuration. "

Mensurations könnte auf verschiedene Weise kombiniert werden metrischen Gruppierungen zu erzeugen. Diese Gruppierungen von Mensurations sind die Vorstufen von einfachen und zusammengesetzten Meter. Mit der Zeit von Ars Nova, die perfekte Aufteilung des tempus war nicht die einzige Option als duple Divisionen wurde mehr akzeptiert. Für Vitry könnte die breve unterteilt werden, für eine gesamte Zusammensetzung oder Abschnitt von einem, in Gruppen von zwei oder drei kleinere Semibreven. Auf diese Weise, die tempus (der Begriff, der die Teilung des breve zu bezeichnen, kam) könnte entweder "perfekt" (Tempus perfectus) mit ternäre Unterteilung oder "unvollkommen" (Tempus imperfectus) mit binärer Unterteilung. In a similar fashion, the semibreve’s division (termed prolation) could be divided into three minima (prolatio perfectus or major prolation) or two minima (prolatio imperfectus or minor prolation) and, at the higher level, the longs division (called modus) could be three or two breves (modus perfectus or perfect mode, or m. Vitry nahm dies einen Schritt weiter, indem die richtige Aufteilung eines gegebenen Stück am Anfang durch die Verwendung einer Angabe "mensuration Zeichen", das entspricht unserer modernen "Taktart.

Tempus perfectus durch einen Kreis angedeutet wurde, während tempus imperfectus von einem Halbkreis (in unserem aktuellen "C" als Stand-in für die 4/4 Taktart bezeichnet wurde, ist eigentlich ein Überbleibsel aus dieser Praxis, nicht die Abkürzung für "common Zeit ", wie allgemein angenommen). While many of these innovations are ascribed to Vitry, and somewhat present in the Ars Nova treatise, it was a contemporary—and personal acquaintance—of de Vitry, named Johannes de Muris (Jehan des Mars) who offered the most comprehensive and systematic treatment of the new mensural innovations of the Ars Nova (for a brief e. Viele Wissenschaftler, ein Mangel an positiven attributory Beweis zitiert, sollten jetzt "Vitry der" Abhandlung anonym zu sein, aber diese seine Bedeutung für die Geschichte der rhythmischen Notation nicht nachlassen. Allerdings macht dies die erste auf jeden Fall erkennbar Gelehrter zu akzeptieren und das mensural System erklären zu Muris de, die gesagt werden kann, für die es getan haben, was Garlandia für die rhythmischen Modi tat.

For the duration of the medieval period, most music would be composed primarily in perfect tempus, with special effects created by sections of imperfect tempus; there is a great current controversy among musicologists as to whether such sections were performed with a breve of equal length or whether it changed, and if so, at wha. Das Ars Nova-Stil blieb das primäre rhythmische System, bis die hoch synkopierte Werke der Ars am Ende des 14. Jahrhunderts subtilior, gekennzeichnet durch extreme Notations und rhythmische Komplexität. Diese Untergattungen stieß die rhythmische Freiheit von Ars Nova an seine Grenzen zur Verfügung gestellt, mit einigen Kompositionen verschiedene Stimmen geschrieben in verschiedenen tempus Signaturen mit gleichzeitig. Die rhythmische Komplexität, die in dieser Musik erkannt wurde, ist vergleichbar mit der im 20. Jahrhundert.

Polyfonie

Von gleicher Bedeutung für die Gesamtgeschichte der Theorie der westlichen Musik waren die strukturellen Veränderungen, die mit dem Aufkommen der Polyphonie kam. Diese Praxis westliche Musik in die harmonisch dominierten Musik geformt, die wir heute kennen,. Die ersten Berichte über diese Text Entwicklung wurden in zwei anonymen noch weit verbreitet Abhandlungen über Musik, die Musica und der Scolica gefunden enchiriadis. Diese Texte sind datiert auf irgendwann in der letzten Hälfte des neunten Jahrhunderts. Die Abhandlungen beschreiben eine Technik, die schon schien in der Praxis gut etabliert werden. Diese frühe Polyphonie basiert auf drei einfachen und drei Verbindung Intervalle. Die erste Gruppe umfasst Quarten, Quinten und Oktaven; während die zweite Gruppe hat Oktave-plus-Viertel, Oktave-plus Fünftel und Doppel Oktaven. Diese neue Praxis wird den Namen Organum vom Autor der Abhandlungen gegeben. Organum können weiter klassifiziert werden, abhängig von der Zeitdauer, in der er geschrieben wurde,. Die frühe organum wie im Enchiriadis beschrieben kann "streng organum" Strikte organum bezeichnet werden kann, die wiederum in zwei Typen unterteilt werden: diapente (organum im Intervall eines fünften) und Evangelienharmonie (organum im Intervall eines vierten). Jedoch hatten beide dieser Arten von strengen organum Probleme mit den musikalischen Regeln der Zeit,. Wenn einer von ihnen einen originellen Gesang zu lange parallel (je nach Modus) ein Tritonus würde.

Dieses Problem wurde etwas mit der Verwendung einer zweiten Art von organum überwinden. Diese zweite Art von Organum wurde "freie Organum" genannt. Sein Unterscheidungsmerkmal ist, dass die Teile müssen nicht nur in Parallelbewegung bewegen, sondern auch in schrägen oder Gegenbewegung bewegen konnte. Das machte es viel einfacher, die gefürchtete Tritonus zu vermeiden. Die letzte Art von Organum, die als "melismatische Organum" entwickelt wurde, bekannt, die eine ziemlich dramatische Abkehr von dem Rest der polyphonen Musik bis zu diesem Punkt war. Dieser neue Stil beachten Sie richtete sich nicht gegen Note, sondern war vielmehr eine nachhaltige Linie durch eine blumige melismatische Linie begleitet. Diese letzte Art von Organum wurde auch von den berühmtesten polyphone Komponisten dieser Zeit-Léonin aufgenommen. Er vereinigte diesen Stil mit gemessenen discant Passagen, welche die rhythmischen Modi verwendet, um die Spitze der organum Zusammensetzung zu schaffen,. Diese letzte Phase der organum wird manchmal als Notre Dame-Schule der Polyphonie, denn das war, wo Léonin (und sein Schüler Pérotin) stationiert waren. Darüber hinaus beeinflusst diese Art von Polyphonie alle weiteren Arten, mit dem späteren polyphone Gattungen von Motetten als Trope der bestehenden Notre Dame Organums Start.

Ein weiteres wichtiges Element der mittelalterlichen Musiktheorie war die einzigartige tonale System, mit dem Tonhöhen angeordnet waren und verstanden. Während des Mittelalters, diese systematische Anordnung einer Reihe von ganzen Stufen und Halbschritte, was wir jetzt eine Skala nennen, wurde als Modus bekannt. Die modale System funktionierte wie die Schuppen von heute, so sehr, dass sie die Regeln und Material für Melodik bereitgestellt. Die acht Kirchentonarten sind: Dorian, Hypodorian, phrygische, Hypophrygian, Lydian, hypolydischen, Mixolydian und Hypomixolydian. Ein großer Teil der Informationen über diese Modi über, sowie die praktische Anwendung von ihnen, wurde im 11. Jahrhundert von dem Theoretiker Johannes Afflighemensis kodifiziert. In seiner Arbeit beschreibt er drei prägende Elemente für jeden Modus. Die finalis die psalmodie, und der Bereich. Die finalis ist der Ton, der für den Modus als Brennpunkt dient. Es ist auch fast immer als letzte Ton (daher der Name) verwendet. Der psalmodie (manchmal als der Tenor oder confinalis genannt) ist der Ton, der in der Melodie (vor allem intern) als primären Brennpunkt dient. Es ist im allgemeinen auch der Ton am häufigsten in dem Stück wiederholt wird, und schließlich der Bereich (oder ambitus) die maximale verbotene Töne für einen gegebenen Modus. Die acht Modi lassen sich in vier Kategorien eingeteilt werden basierend auf ihrem letzten (finalis).

sie mittelalterliche Theoretiker diese Paare maneriae genannt und beschriftet nach den griechischen Ordnungszahlen. Diese Modi, die d haben, e, f und g als ihre letzte werden in die Gruppen setzen Protus, deuterus, Tritus und tetrardus bzw.. Diese können dann geteilt werden weiter darauf basierend, ob der Modus "authentisch" oder "plagal. "Diese Unterscheidungen befassen sich mit dem Bereich der Modus in Bezug auf die endgültige. Die authentischen Modi haben einen Bereich, der um eine Oktave (ein Ton oben oder unten erlaubt ist) und starten auf dem letzten, während die plagal Modi, während immer noch eine Oktave, die etwa eine Quarte unter dem authentischen starten. Ein weiterer interessanter Aspekt des modalen System ist die universelle Zulage für die Änderung B Bb egal, was die Mode. Die Aufnahme dieser Ton hat mehrere Verwendungen, aber eine, die besonders häufig scheint, ist, um melodische Schwierigkeiten zu vermeiden, noch einmal, durch den Tritonus.

Diese Kirchentonarten, obwohl sie griechische Namen haben, haben wenig Beziehung zu den Modi wie von der griechischen Theoretiker dargelegt. Vielmehr scheint die meisten der Terminologie eine Veruntreuung auf dem Teil der mittelalterlichen Theoretiker zu sein, obwohl die Kirchentonarten keine Beziehung zu den alten griechischen Modi haben, wird die Überfülle der griechischen Terminologie zu einem interessanten möglichen Ursprung in den liturgischen Melodien des byzantinischen Punkt Tradition. Dieses System wird Oktoechos genannt und wird auch in acht Kategorien eingeteilt, genannt echoi.

For specific medieval music theorists, see also: Isidore of Seville, Aurelian of Réôme, Odo of Cluny, Guido of Arezzo, Hermannus Contractus, Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris, Franco of Cologne, Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus), Anonymous IV, Marchetto da Padova (Marchettus of Padua), Jacques.

Frühe mittelalterliche Musik (vor 1150)

Frühe Gesang Traditionen

Chant (oder Choral) ist ein monophon heilige Form, die die früheste bekannte Musik der christlichen Kirche repräsentiert.

Chant entwickelt separat in mehreren europäischen Zentren. Obwohl die wichtigsten waren Rom, Hispania, Gallien, Mailand und Irland gab es auch andere. Diese Gesänge wurden alle regionalen Liturgien entwickelt verwendet zu unterstützen, wenn die Messe feiern dort. Jeder Bereich entwickelt seine eigenen Gesänge und Regeln für die Feier. In Spanien und Portugal wurde Mozarabic Gesang verwendet und zeigt den Einfluss der nordafrikanischen Musik. Die mozarabischen Liturgie überlebte sogar durch Muslimrule, obwohl dies ein Einzelstrang und diese Musik war wurde später in einem Versuch unterdrückt Übereinstimmung über die gesamte Liturgie zu erzwingen. In Mailand, Ambrosiana Gesang, benannt nach St. Ambrosius, war der Standard, während Beneventan Gesang um Benevent entwickelt, eine andere italienische liturgische Zentrum. Gallikanischen Gesang wurde in Gallien und keltische Gesang in Irland und Großbritannien verwendet.

Rund um AD 1011, wollte die römisch-katholische Kirche die Messe und Gesang zu standardisieren. Zu dieser Zeit war Rom das religiöse Zentrum von Westeuropa und Paris war das politische Zentrum. Die Standardisierungsbemühungen bestand hauptsächlich diese beiden (Roman und Gallican) regionale Liturgien der Kombination. Papst Gregor I andCharlemagne ausgebildete Sänger im ganzen Heiligen Römischen Reiches geschickt diese neue Form der Gesang zu unterrichten. Dieser Körper der Gesang wurde als Gregorian Chant bekannt, benannt nach Papst Gregor I.. Im 12. und 13. Jahrhundert hatte gregorianischen Choral alle anderen westlichen Gesang Traditionen ersetzt, mit Ausnahme des ambrosianischen Gesang in Mailand und der mozarabischen Gesang in wenigen speziell dafür vorgesehenen spanischen Kapellen.

Frühe Polyphonie: organum

Gegen Ende des 9. Jahrhunderts, Sänger in Klöstern wie St.. Gall in der Schweiz begann mit experimentiert einen anderen Teil zu dem Gesang Zugabe, in der Regel avoice parallel Bewegung, Gesang meist in Quarten oder Quinten über der ursprünglichen Melodie (siehe Intervall). Diese Entwicklung wird als organum und stellt die Anfänge der Harmonie und schließlich von Kontra. Im Laufe der nächsten Jahrhunderte organum auf verschiedene Weise entwickelt.

Die wichtigsten dieser Entwicklungen war die Schaffung von "blumige Organum" um das Jahr 1100, die manchmal als die Schule von St bekannt. Martial (benannt nach einem Kloster in Süd-Zentral-Frankreich, die das enthält am besten erhaltene Manuskript dieses Repertoire). In "blumige Organum" die ursprüngliche Melodie in langen Noten gesungen werden würde, während eine begleitende Stimme viele Noten zu jedem der ursprünglichen singen würde, oft in einer sehr aufwendigen Art und Weise, die ganze Zeit die perfectconsonances (Quarten, Quinten und Oktaven) betont, wie in der früheren organa. Spätere Entwicklungen von organum in England aufgetreten, wo der Abstand des dritten war besonders begünstigt, und wo organa wurden gegen eine bestehende Choralmelodie wahrscheinlich improvisiert, und an der Notre Dame in Paris, die das Zentrum des musikalischen Schaffens in der gesamten dreizehnten sein sollte Jahrhundert.

Ein großer Teil der Musik aus dem frühen Mittelalter ist anonym. Einige der Namen haben gewesen Dichter und Texter, und die Melodien, für die sie schrieben Worte von anderen zusammengesetzt worden sein. Zurechnung von monophon Musik des Mittelalters ist nicht immer zuverlässig. Die überlebenden Handschriften aus dieser Zeit gehören die Musica Enchiriadis, Codex Calixtinus von Santiago de Compostela, der Magnus Liber und die Winchester Troper.

Weitere Informationen zu bestimmten Komponisten oder Dichter während des frühen Mittelalter zu schreiben, siehe Papst Gregor I, St. Godric, Hildegard von Bingen, Hucbald, Notker Balbulus, Odo von Arezzo, Odo von Cluny, und Tutilo.

Liturgisches Drama

Eine weitere musikalische Tradition Europas mit Ursprung in den frühen Mittelalter war das liturgische Drama. In seiner ursprünglichen Form, kann es ein Überleben von Romandrama mit Christian Geschichten darstellen - vor allem dem Evangelium, die Leidenschaft, und das Leben der Heiligen - aufgepfropft. Jeder Teil von Europa hatte eine Art Tradition der musikalischen oder halbMusikDrama im Mittelalter, an denen handeln, Sprechen, Singen und Instrumentalbegleitung in einer Kombination. Diese Dramen wurden vermutlich von reisenden Schauspielern und Musikern. Viele wurden ausreichend zu ermöglichen moderne Rekonstruktion und Leistung (zum Beispiel die Wiedergabe von Daniel, die vor kurzem aufgenommen wurde) erhalten.

Goliarden

Die Goliarden waren Wander Dichter-Musiker Europas von der zehnten bis zur Mitte des dreizehnten Jahrhunderts. Die meisten waren Gelehrte oder Geistlichen, und sie schrieb und sang in Latein. Obwohl viele der Gedichte überlebt haben, sehr wenig von der Musik hat. Sie waren vielleicht einfluss - auch entscheidend, so - auf der Troubadour-trouvère Tradition, die war zu folgen. Die meisten ihrer Poesie ist säkular und, während einige der Lieder religiösen Ideale feiern, andere sind offen profan, den Umgang mit Trunkenheit, Ausschweifung und Wollust. Einer der wichtigsten erhaltenen Quellen von Goliarden chansons ist die Carmina Burana.

Hohe mittelalterliche Musik (1150-1300)

Ars antiqua

Die Blüte der Notre Dame-Schule der Polyphonie von rund 1150 bis 1250 entsprachen den ebenso beeindruckenden Leistungen in der gotischen Architektur: in der Tat das Zentrum der Aktivität war in der Kathedrale von Notre Dame selbst. Manchmal ist die Musik dieser Zeit ist die Pariser Schule genannt, oder Pariser organum und stellt den Anfang dessen, was herkömmlich bekannt als Ars antiqua. Das war die Zeit, in der rhythmischen Notation erste in der westlichen Musik erschien, vor allem eine kontextbasierte Methode der rhythmischen Notation wie die rhythmischen Modi bekannt.

Dies war auch die Zeit, in der Konzepte der formalen Struktur entwickelt, die Anteil aufmerksam waren, Textur und architektonische Wirkung. Composers of the period alternated florid and discant organum (more note-against-note, as opposed to the succession of many-note melismas against long-held notes found in the florid type), and created several new musical forms: clausulae, which were melismatic sections of organa extracted and fitted with new words and further mu. Alle diese Genres ein wurden auf Gesang speichern basiert; das heißt, eine der Stimmen, (in der Regel drei, wenn auch manchmal vier) fast immer den niedrigsten (der Tenor an diesem Punkt) eine Choralmelodie sang, wenn auch mit frei Notenlängen zusammengesetzt, über die die anderen Stimmen sang organum. Die Ausnahme von dieser Methode war die conductus, eine zweistimmige Komposition, die sich frei in allen ihren Teilen zusammengesetzt wurde.

The motet, one of the most important musical forms of the high Middle Ages and Renaissance, developed initially during the Notre Dame period out of the clausula, especially the form using multiple voices as elaborated by Pérotin, who paved the way for this particularly by replacing many of his predecessor (as canon of the cathe. Allmählich kam ganze Bücher dieser Ersatzstoffe sein, in die und aus den verschiedenen Gesängen angebracht werden. Da in der Tat gab es mehr, als man vielleicht im Kontext verwendet worden sind, ist es wahrscheinlich, dass die clausulae kam unabhängig voneinander durchgeführt werden, entweder in anderen Teilen der Masse oder in privaten Andachten. Die clausulae, so praktiziert wird, wurde die Motette, wenn mit nicht-liturgischen Worte tropiert und wurden weiter in eine Form von großen Ausarbeitung, Raffinesse und Subtilität im vierzehnten Jahrhundert entwickelt, die Zeit der Ars nova. Die überlebenden Manuskripte aus dieser Zeit sind der Codex Montpellier, Bamberg Codex und Las Huelgas Codex.

Komponisten dieser Zeit gehören Léonin, Pérotin, W. de Wycombe, Adam de St. Victor, und Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). Petrus wird mit der Innovation gutgeschrieben mehr als drei Semibreven des Schreibens der Länge eines breve passen. Kommen vor der Innovation von unvollkommenen tempus, eröffnet diese Praxis die Ära von dem, was jetzt genannt "Petronian" Motetten. Diese späten 13. Jahrhundert Werke sind in drei bis vier Teile und haben mehrere Texte gesungen gleichzeitig. Ursprünglich war der Tenor Leitung (vom lateinischen tenere "zu halten") hielt einen bereits existierenden liturgischen Gesang Zeile in der ursprünglichen lateinischen, während der Text des einen, zwei oder sogar drei Stimmen über, die voces organales genannt, zur Verfügung gestellt Kommentierung die liturgische Thema entweder in Latein oder in der Landessprache Französisch. Die rhythmischen Werte der voces organales verringert, wie die Teile multipliziert mit dem Duplum (der Teil über dem Tenor) kleinere rhythmische Werte als der Tenor mit, die Triplum (die Linie über dem Duplum) mit kleineren rhythmische Werte als die Duplum, und so auf. Im Laufe der Zeit wurden die Texte der voces organales zunehmend in der Natur säkularen und hatte weniger offene Verbindung mit dem liturgischen Text in der Tenor-Linie.

Die Petronian Motette ist ein hochkomplexes Genre, angesichts seiner Mischung aus mehreren semibreve Breves mit rhythmischen Modi und manchmal (mit zunehmender Frequenz) Substitution von weltlicher Lieder für Gesang im Tenor. Tatsächlich immer größere rhythmische Komplexität würde ein wesentliches Merkmal des 14. Jahrhunderts, obwohl Musik in Frankreich, Italien und England nehmen würde ganz unterschiedliche Wege in dieser Zeit.

Cantigas de Santa Maria

Die Cantigas de Santa Maria ( "Cantica der Heiligen Maria") sind 420 Gedichte mit musikalischer Notation, geschrieben in Galizisch-Portugiesisch während der Herrschaft von Alfonso X El Sabio (1221-1284) und ihm oft zugeschrieben. Es ist eine der größten Sammlungen von monophon (Solo) Lieder aus dem Mittelalter und ist durch die Erwähnung der Jungfrau Maria in jedem Lied aus, während jeder zehnte Song eine Hymne ist. zwei in El Escorial, eine an der Madrider Nationalbibliothek und ein in Florenz, Italien: Die Manuskripte sind in vier Codices überlebt. Einige haben farbige Miniaturen Paare von Musikern zeigt eine Vielzahl von Instrumenten zu spielen.

Troubadours und trouvères

Die Musik der Troubadoure und trouvères war eine einheimische Tradition der monophon säkularen Lied, wahrscheinlich von Instrumenten begleitet, gesungen von professionellen, gelegentlich Wander, Musiker, die als Dichter so geschickt waren, wie sie Sänger und Instrumentalisten waren. Die Sprache der Troubadoure war Okzitanisch (auch als langue d'oc bekannt oder Provençal); die Sprache der trouvères war Old Französisch (auch als langue d'Öl bekannt). Die Zeit der Troubadoure entsprach der Blüte des kulturellen Lebens in der Provence, die durch das zwölfte Jahrhundert und in der ersten Dekade des dreizehnten dauerte. Typische Themen der Troubadour Lied waren Krieg, Ritterlichkeit und Minne-die Liebe einer idealisierten Frau aus der Ferne. Die Zeit der Troubadoure zurückgefahren, nachdem der Albigenserkreuzzug, die heftige Kampagne von Papst Innozenz III die Katharer (und Nord Barone Wunsch, den Reichtum des Südens angemessen) zu beseitigen. Surviving Troubadoure gingen entweder nach Portugal, Spanien, Norditalien oder Nordfrankreich (wo die trouvère Tradition gelebt), wo ihre Fähigkeiten und Techniken, trugen zu den späteren Entwicklungen der säkularen Musikkultur in diesen Orten.

Die trouvères und Troubadoure hatten ähnliche musikalische Gerstenkörner, aber die trouvères waren in der Regel Adlige. Die Musik der trouvères war ähnlich dem der Troubadoure, konnte aber in dem dreizehnten Jahrhundert unbeeinflusst von der Albigenserkreuzzug, um zu überleben. Die meisten der mehr als zweitausend überlebenden trouvère Lieder umfassen Musik, und zeigen eine Raffinesse so groß wie die der Poesie sie begleitet.

Die Minnesänger Tradition war der germanische Pendant zur Aktivität der Troubadoure und trouvères im Westen. Leider überleben einige Quellen von der Zeit; die Quellen der Minne sind meist aus zwei oder drei Jahrhunderte nach dem Höhepunkt der Bewegung, bis zu einem gewissen Kontroverse über die Richtigkeit dieser Quellen führt. Unter den Minnesänger mit Musik überlebenden sind Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide und Niedhart von Reuenthal.

Trovadorismo

Im Mittelalter war Galizisch-Portugiesisch die Sprache, in fast allen Iberia für Lyrik verwendet. Von dieser Sprache stammen sowohl moderne Galizisch und Portugiesisch. Die galicische-portugiesische Schule, die zu einem gewissen Grad beeinflusst war (vor allem in bestimmten formalen Aspekte) von den okzitanischen Troubadoure, wird zunächst am Ende des zwölften Jahrhunderts dokumentiert und dauerte bis zur Mitte des vierzehnten.

Die früheste erhaltene Zusammensetzung in dieser Schule ist in der Regel vereinbart Ora sein faz ost 'o Senhor de Navarra von der portugiesischen João Soares de Paiva, datiert in der Regel kurz vor oder nach 1200. Die Troubadoure der Bewegung, verwirrt zu sein, nicht mit den okzitanischen Troubadoure (die Gerichte in der Nähe León und Kastilien frequentiert), schrieb fast ausschließlich cantigas. Beginnend wahrscheinlich um die Mitte des dreizehnten Jahrhunderts, diese Lieder, auch bekannt als Cantares oder trovas, begann in einer Sammlung als cancioneiros bekannt kompiliert werden (Liederbücher). Drei solche Anthologien sind bekannt: die Cancioneiro da Ajuda, die Cancioneiro Colocci-Brancuti (oder Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa) und die Cancioneiro da Vaticana. Neben diesen gibt es die unschätzbare Sammlung von über 400 Galizisch-Portugues cantigas in der Cantigas de Santa Maria, die Tradition zu Alfonso X-Attribute.

Die Galizisch-Portugiesisch cantigas kann in drei grundlegende Gattungen eingeteilt werden: männlich stimmige Liebeslyrik, genannt cantigas de amor (oder cantigas d'amor) weiblich stimmige Liebeslyrik, genannt cantigas de amigo (Cantigas d'amigo); und Poesie der Beleidigung und Spott genannt cantigas d'escarnho e de mal dizer. Alle drei sind lyrische Genres im technischen Sinne, dass sie Strophenlieder mit entweder musikalische Begleitung oder Einführung auf einem Saiteninstrument waren. Aber alle drei Gattungen haben auch dramatische Elemente, frühe Gelehrte führt sie als lyrisch-dramatischer zu charakterisieren.

Die Ursprünge des cantigas d'amor sind in der Regel auf der Provence und Old Französisch Lyrik verfolgt, aber formal und rhetorisch sie sind ganz anders. Der cantigas d'amigo sind wahrscheinlich in einer nativen Liedtradition (Lang, 1894, Michaëlis 1904) wurzelt, obwohl diese Ansicht bestritten wurde. Die cantigas d'escarnho e maldizer kann auch (nach Lang) haben tiefe lokale Verwurzelung. Die beiden letztgenannten Genres (von insgesamt rund 900 Texte) machen den Galizisch-Portugiesisch lyrischen einzigartig in der gesamten Panorama der mittelalterlichen Romantik Poesie.

Spätmittelalterliche Musik (1300-1400)

Frankreich: Ars nova

Der Beginn des Ars nova ist eine der wenigen klaren chronologischen Spaltungen in der mittelalterlichen Musik, da es in 1310 und 1314 auf die Veröffentlichung des Roman de Fauvel, eine riesige Sammlung von Poesie und Musik, entspricht. Der Roman de Fauvel ist eine Satire auf Mißstände in der mittelalterlichen Kirche, und ist mit mittelalterlichen Motetten, Lais gefüllt, rondeaux und andere neue säkulare Formen. Während die meisten der Musik anonym ist, enthält es mehrere Stücke von Philippe de Vitry, einer der ersten Komponisten, der isorhythmische Motette, eine Entwicklung, die den vierzehnten Jahrhundert unterscheidet. Die isorhythmische Motette wurde von Guillaume de Machaut, den besten Komponisten der Zeit perfektioniert.

During the Ars nova era, secular music acquired a polyphonic sophistication formerly found only in sacred music, a development not surprising considering the secular character of the early Renaissance (while this music is typically considered “medieval”, the social forces that produced it were responsible for the beg. Der Begriff "Ars nova" (neue Kunst oder neue Technik) wurde von Philippe de Vitry in seiner Abhandlung dieses Namens (wahrscheinlich geschrieben in 1322), geprägt, um die Praxis von der Musik des unmittelbar vorhergehenden Alter zu unterscheiden.

Die dominante säkulare Genre des Ars Nova war das Chanson, wie es in Frankreich für weitere zwei Jahrhunderte bleiben werde. Diese Chansons wurden in musikalischen Formen zusammengesetzt zu der Dichtung entspricht sie setzen, die in den so genannten formes fixes von Rondeau, ballade waren, und virelai. Diese Formen beeinflusst wesentlich die Entwicklung der musikalischen Struktur in einer Weise, die noch heute zu spüren sind; zum Beispiel forderte die ouvert-clos Reim-Schema von allen geteilt drei eine musikalische Umsetzung, die direkt mit dem modernen Begriff der Vorder- und Nachsatz Phrasen beigetragen. Es war in dieser Zeit zu, in der die lange Tradition begann die Masse gewöhnlicher der Einstellung. Diese Tradition begann um die Mitte des Jahrhunderts mit isolierten oder gepaart Einstellungen von Kyries, Glorias, etc. , Aber Machaut zusammengesetzt, was gedacht wird, die erste vollständige Masse konzipiert als eine Zusammensetzung zu. Die Klangwelt der Musik Ars Nova ist sehr viel ein linearer Primat und rhythmische Komplexität. "Ruhen" Intervalle sind die fünfte und Oktave, mit Terzen und Sexten als Dissonanzen. Springt von mehr als ein Sechstel in einzelnen Stimmen sind keine Seltenheit, was zu Spekulationen der instrumentalen Beteiligung zumindest in der weltlichen Leistung. Surviving Französisch Manuskripte sind der Ivrea Codex und die Apt Codex.

Weitere Informationen zu bestimmten Französisch Komponisten im späten Mittelalter zu schreiben, siehe Jehannot de Lescurel, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Borlet, Solage und François Andrieu.

Italien: Tracento

Der größte Teil der Musik der Ars nova war Französisch Ursprungs; jedoch wird der Begriff oft lose auf die gesamte Musik des vierzehnten Jahrhunderts angelegt, vor allem die weltliche Musik in Italien zu gehören. Es war diese Zeit oft als Trecento. Italienische Musik wurde für seine lyrischen oder melodischen Charakter, und das geht zurück bis ins 14. Jahrhundert in vieler Hinsicht alway bekannt. Italian secular music of this time (what little surviving liturgical music there is, is similar to the French except for somewhat different notation) featured what has been called the cantalina style, with a florid top voice supported by two (or even one; a fair amount of Italian Trecento music is for only two voices) that are m. Diese Art der Textur blieb ein Merkmal der italienischen Musik in den populären 15. und 16. Jahrhundert säkulare Genres als auch, und war ein wichtiger Einfluss auf die spätere Entwicklung des Trios Textur, die Musik im 17. revolutionierte.

Es gab drei Hauptformen für weltliche Werke im Trecento. Einer war das Madrigal, nicht das gleiche wie das von 150-250 Jahre später, aber mit einem Vers / Refrain-ähnliche Form. Drei Strophen, die jeweils mit unterschiedlichen Worten, abgewechselt mit einer zweizeiligen Ritornell, mit dem gleichen Text an jedem Auftritt. Vielleicht können wir die Samen der anschließenden Spätrenaissance und Barock Ritornell in diesem Gerät sehen; es gibt auch immer wieder erkennbar jedes Mal, im Gegensatz zu den umliegenden Abschnitten disparate. Eine andere Form, die caccia ( "Chase") wurde an der unisono für zwei Stimmen in einem Kanon geschrieben. Manchmal ist diese Form kennzeichnete auch ein Ritornell, das in einem kanonisch Stil gelegentlich auch war. Üblicherweise wird der Name dieses Genres zur Verfügung gestellt eine doppelte Bedeutung, da die Texte von caccia waren in erster Linie über Jagden und die damit verbundenen Aktivitäten im Freien, oder zumindest actionreichen Szenen. Die dritte Hauptform war die ballata, das entspricht in etwa dem Französisch virelai war.

Surviving italienischen Manuskripte sind der Squarcialupi Codex und die Rossi Codex. Weitere Informationen zu bestimmten italienischen Komponisten im späten Mittelalter zu schreiben, finden Sie Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Giovanni da Firenze (alias Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia, und Maestro Piero.

Deutschland: Geißlerlieder

Die Geißlerlieder waren die Lieder von Bands von Flagellanten wandern, der den Zorn eines verärgerten Gott durch penitential Musik von Kränkung ihres Körpers begleitet zu beschwichtigen suchte. There were two separate periods of activity of Geisslerlied: one around the middle of the thirteenth century, from which, unfortunately, no music survives (although numerous lyrics do); and another from 1349, for which both words and music survive intact due to the attention of a single priest who wrote about the movement and re. Diese zweite Periode entspricht der Ausbreitung des Schwarzen Todes in Europa und Dokumente eines der schrecklichsten Ereignisse in der europäischen Geschichte. Beide Perioden der Geisslerlied Aktivität waren vor allem in Deutschland.

Manierismus und Ars subtilior

Wie oft am Ende jeder musikalischen Ära, das Ende des Mittelalters wird von einem hoch manieristischen Stil bekannt ASARS subtilior markiert gesehen. In gewisser Weise war dies ein Versuch, die Französisch und Italienisch Stile meld. Diese Musik war stark stilisierte, mit einer rhythmischen Komplexität, die nicht bis zum 20. Jahrhundert angepasst wurde. In fact, not only was the rhythmic complexity of this repertoire largely unmatched for five and a half centuries, with extreme syncopations, mensural trickery, and even examples of augenmusik (such as a chanson by Baude Cordier written out in manuscript in the shape of a heart), but also its melodic material was quite complex as. Schon unter Ars Nova diskutiert wurde die Praxis der Isorhythmie gewesen, die bis Ende Jahrhundert und in der Tat entwickelte sich weiterhin nicht seinen höchsten Grad an Komplexität erreicht, bis zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Statt isorhythmische Techniken in ein oder zwei Stimmen, oder sie unter Stimmen Handel kamen einige Werke ein Durchdringen isorhythmische Textur zu verfügen, die in ihrer Systematisierung von rhythmischen und tonalen Elemente des integralen Serialismus des 20. Jahrhunderts Rivalen. Der Begriff "Manierismus" wurde von späteren Gelehrten angewendet, wie es oft ist, als Reaktion auf einen Eindruck von Eleganz um ihrer selbst willen praktiziert wird, eine Krankheit, die einige Autoren die Ars infiziert fühlten subtilior.

Einer der wichtigsten erhaltenen Quellen von Ars Subtilior chansons ist der Codex Chantilly. Weitere Informationen zu bestimmten Komponisten Musik in Ars subtilior Stil zu schreiben, finden Sie Anthonello de Caserta, Philippus de Caserta (aka Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia, Matteo da Perugia, Lorenzo da Firenze, Grimasse, Jacob de Senleches und Baude Cordier.

Der Übergang zur Renaissance

Abgrenzen das Ende des Mittelalters und dem Beginn der Renaissance-Ära, in Bezug auf die Zusammensetzung der Musik, ist schwierig,. While the music of the fourteenth century is fairly obviously medieval in conception, the music of the early fifteenth century is often conceived as belonging to a transitional period, not only retaining some of the ideals of the end of the Middle Ages (such as a type of polyphonic writing in which the parts differ widely from e. Musikhistoriker nicht darüber einig sind, wenn der Renaissance-Ära begann, aber die meisten Historiker sind sich einig, dass England noch eine mittelalterliche Gesellschaft in den frühen fünfzehnten Jahrhundert (Periodisierung Themen des Mittelalters sehen). Zwar gibt es keinen Konsens ist, ist 1400 ein nützlicher Marker, weil es um diese Zeit war, dass die Renaissance in Italien in vollem Gange kam.

Die zunehmende Abhängigkeit von dem Intervall des dritten als Konsonanz ist eine der am ausgeprägtesten Merkmale des Übergangs in die Renaissance. Polyphony, im Einsatz seit dem 12. Jahrhundert, wurde immer aufwendigere mit hoch unabhängigen Stimmen im 14. Jahrhundert. With John Dunstaple and other English composers, partly through the local technique of faburden (an improvisatory process in which a chant melody and a written part predominantly in parallel sixths above it are ornamented by one sung in perfect fourths below the latter, and which later took hold on the continent as “fauxbo.

Englisch stilistische Tendenzen in dieser Hinsicht zum Tragen gekommen und begann kontinentalen Komponisten zu beeinflussen, wie bereits in den 1420er Jahren, wie unter anderem in den Werken des jungen Dufay, zu sehen ist. Während des Hundertjährigen Krieges fortgesetzt, Adlige Englisch, Armeen, ihre Kapellen und Gefolgschaften und damit einen Teil ihrer Komponisten gereist, in Frankreich und führte dort ihre Musik; es muss auch, dass die Engländer in dieser Zeit Teile Nordfrankreichs gesteuert werden natürlich in Erinnerung. Englisch Manuskripte sind die Worcester Fragmente, die Old St. Andrews Musik Buch, das Old Hall Manuskript, und Egerton Manuskript. Weitere Informationen zu bestimmten Komponisten, die zwischen dem Mittelalter und der Renaissance Übergangs betrachtet werden, Zacara da Teramo, Paolo da Firenze, Giovanni Mazzuoli, Antonio da Cividale, Antonius Romanus, Bartolomeo da Bologna, Roy Henry, Arnold de Lantins, Leonel Kraft und kommen John Dunstaple.

Eine frühe Komponist aus der Franco-Flämische Schule der Renaissance war Johannes Ockeghem (1410/1425 -1497). Er war der berühmteste Mitglied der franko-flämischen Schule in der letzten Hälfte des 15. Jahrhunderts und wird oft zu den einflussreichsten Komponisten zwischen Dufay und Josquin des Prez betrachtet. Ockeghem wahrscheinlich studierte mit Gilles Binchois, und zumindest war eng mit ihm am burgundischen Hof verbunden sind. Antoine Busnois schrieb eine Motette zu Ehren von Ockeghem. Ockeghem ist eine direkte Verbindung von der burgundischen Stil auf die nächste Generation von Netherlanders, wie Obrecht und Josquin. Ein starker Einfluss auf Josquin des Prezand die nachfolgende Generation von Netherlanders war Ockeghem in ganz Europa berühmt Charles VII für seine expressive Musik, obwohl er für seine technischen Fähigkeiten ebenso bekannt war.

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